«Тройка» из кинофильма «Метель». Музыка Георгия Свиридова, исполняет симфонический оркестр МГУ имени Михаила Васильевича Ломоносова, художественный руководитель Мирза Аскеров.

Колокольчик звякнул бойко
Под дугой коренника,
Миг, и — взмыленная тройка
От села уж далека.
Ни усадьбы, ни строений —
Только: вехи да снега
Да от зимней сонной лени
Поседелые луга.
Выгибая круто шеи,
Пристяжные, как метель,
Колкой снежной пылью сея,
Рвут дорожную постель.
      Владимир Нарбут

«Метель» – музыкальные иллюстрации к повести Александра Сергеевича Пушкина. Среди музыкальных зарисовок, каждую из которых композитор превратил в самостоятельное произведение, необычайно ярко звучат «Вальс», «Романс», «Марш» и, конечно же, «Тройка» – пьеса, весьма живописно отображающая чувственный и порывистый образ русской души.
Эта азартная колоритная композиция, рисуя образ быстро несущейся среди заснеженных просторов кибитки, запряженной тройкой резвых коней, становится главным символом как кино, снятого по повести, так и собственно сюиты Георгия Свиридова, составленной из музыкальных иллюстраций к киноленте, которые начинаются и заканчиваются звуками этого опуса. В звукоизобразительной музыке есть все: перезвон маленьких колокольчиков, топот копыт, передающийся неизменно пульсирующим ритмом, и красивая мелодия, звучащая как печальная песнь ямщика.
«Тройка», написанная в тональности соль минор, четырехдольном размере и с авторским темповым указанием con moto (с движением) имеет две основные темы. Видимо, маэстро, представляющий произведение в виде песни, одну из них определил, как куплет, а другую – припев.
Пьеса начинается со вступления, которое на фоне четкой барабанной дроби и звуков бубна, имитирующего звучание бубенцов, открывают мощные аккорды группы медных. Так продолжается несколько тактов, и вдруг громкий аккорд, внезапное пианиссимо, и на первый план сопровождаемая пульсирующим аккомпанементом струнных в исполнении гобоя выходит очаровательная лиричная тема.
В третьем, последнем проведении, мотив куплета, украшенный подголосками, активно развиваясь, подводит к кульминации произведения, которую композитор заключает в вытекающую затем канву вступления. Завершает произведение дважды повторенная мелодия припева, на проведении которой динамический накал постепенно снижается: тройка ускакала, и кибитка скрылась из глаз.

Композиция «Тройка» прозвучала в исполнении симфонического оркестра МГУ имени Михаила Ломоносова.

Коллектив появился в 2016 году и состоит из студентов, аспирантов, сотрудников, выпускников почти всех факультетов университета.

В репертуар оркестра входят симфония №1 Людвига Бетховена, Реквием Вольфганга Моцарта, симфония №3 Александра Бородина, Кантата «Москва» Петра Чайковского и многие другие топ-произведения классической музыки. «Капелла» исполняет как небольшие оркестровые пьесы, так и партитуры крупной формы: симфонии, мессы, оратории. Коллектив дает как сольные концерты, так и совместно с Академическим хором и солистами оперной студии МГУ. В 2019 году струнный состав оркестра с успехом гастролировал в Вене.

Увертюра к опере «Севильский цирюльник». Музыка Джоаккино Россини, исполняет симфонический оркестр МГУ имени Михаила Васильевича Ломоносова, художественный руководитель Мирза Аскеров.

Вино и лень – мои две страсти,
И дружба их мне дорога:
У лени я всегда во власти,
Вино же – верный мой слуга!
Вино же – верный мой слуга!
Вино же – верный мой слуга!
                 Пьер Бомарше

Опера итальянца Джоаккино Россини написана в 1816 году на либретто за авторством Чезаре Стербини на основе одноименной комедии французского драматурга Пьера Бомарше, выпущенной в 1773-м. Судьбы весельчака брадобрея Фигаро и его господина графа Альмавивы настолько известны публике, что не представляют собой особенного интереса для слушателя, имеющего в доме музыкальный носитель, а вот историю появления интродукции к спектаклю знают не все.

Увертюра, с которой начинается представление и которая знакома каждому сердцу меломана, не является оригинальной, то есть той, которая была в ней с самой премьеры. Та увертюра была неким попурри из популярных испанских мелодий, но ее партитура каким-то странным образом исчезла вскоре после первой дебютной постановки. Тогда Россини, известный своей леностью, вытащил из сундука какую-то старую интродукцию, которую написал еще за семь лет до того для забытой теперь оперы L’Equivoco stravagante («Странный случай»). Она уже пару раз сослужила ему службу, когда он должен был подвергнуть сокращению увертюры к двум другим операм – «Аврелиан и Пальмира» и «Елизавета, королева Английская». Но если ее живые, легкие звуки едва ли кажутся подходящими для трагедии о королеве Английской, то в «Севильского цирюльника» вписываются настолько органично, что некоторым критикам кажется, что уж говорить о слушателях, что они слышат в этой мелодии музыкальные портреты Розины, Фигаро и бог знает кого еще.

Концерт G—dur для мандолины и струнных. Музыка Вито Уголино, исполняет камерный оркестр Московского университета, художественный руководитель Александр Константинов.

 Светлый голос мандолины сладкой лаской прозвучал.
Точно кто-то поцелуй мой с поцелуем обвенчал.
Точно кто-то, властным словом, вызвав к жизни брызги струй,
Дал им литься, дал им слиться в долгий влажный поцелуй.
                                                    Константин Бальмонт

Барочный соль-мажорный концерт для мандолины, скрипок и бассо континуо был исполнен камерным оркестром Московского университета, который открыл свою музыкальную историю в 1967 году под руководством альтиста оркестра Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Эдуарда Михайловича Гиндина — увлеченного человека и страстного музыканта. Задуманный как камерный оркестр механико-математического факультета, он уже с сентября сделался общеуниверситетским.

Оркестр дважды получал первый приз на Всесоюзных фестивалях самодеятельного творчества трудящихся и стал лауреатом двух форумов любительских камерных коллективов в Ереване. В настоящее время им руководит Александр Константинов — скрипач, по образованию биохимик, доктор биологических наук, выпускник и сотрудник МГУ, лауреат премии имени А.Н. Баха РАН за 2008 год.
Коллектив принимает участие во всех торжественных церемониях университета: вручение почетных званий МГУ, премий Европейской академии молодым ученым, празднование Татьяниного дня.
В его составе — 15 музыкантов и подготовительная группа (4–7 человек). Начиная с 1990 года, все большее место в программе занимает ранняя и барочная музыка Германии (Шутц, Розенмюллер, Кригер, Букстехуде), Италии (Монтеверди, Легренци, Алессандро Скарлатти), Англии (Перселл, Лоус, Лок, Берд) и Франции (Шерпантье, Бернье, Куперен).
Ежегодно коллектив дает 7–8 концертов с полными программами на разных площадках Москвы и Подмосковья (Библиотека искусств им. Боголюбова, Музейный комплекс Ново-Иерусалим, Музей музыкального искусства имени Глинки и других).

Ombra mai fu из оперы «Ксеркс». Музыка Георга Генделя, исполняет камерный оркестр Московского университета.

Нежные и красивые листья
Моего любимого дерева,
Пусть судьба улыбнется вам,
Пусть гром молния и буря
Никогда не нарушат вашего драгоценного покоя,
Поднимающиеся ветра не осквернят вас.

«Ксеркс» — сороковая опера Генделя. В первооснове либретто оперы лежало либретто, написанное Николо Минато для оперы Франческо Кавалли, поставленной в 1654 году.
Действие оперы разворачивается в Персии в 480 году до н. э. и очень вольно повествует об истории царя Ксеркса I.

Партия Ксеркса написана для певца-кастрата, в современных постановках, как правило, роль исполняет меццо-сопрано, контральто или контртенор.

Открывающая оперу ария Ксеркса Ombra mai fu (Листья нежные, густые…) считается одной из самых известных и красивых мелодий Генделя, обычно ее называют «Ларго» Генделя (хотя в партитуре указан темп умеренно медленный – larghetto).

«Ночь». Музыка Шарля Гуно, исполняет академический хор Московского государственного университета, солист Николай Попов.

Какая ночь! Все звезды до единой
Тепло и кротко в душу смотрят вновь,
И в воздухе за песнью соловьиной
Разносится тревога и любовь.

Нет, никогда нежней и бестелесней
Твой лик, о ночь, не мог меня томить!
Опять к тебе иду с невольной песней,
Невольной — и последней, может быть.
                                    Афанасий Фет

Романс французского композитора Шарля Гуно прозвучал голосами исторического коллектива, старейшего в университете, да и в России тоже, так как днем его рождения является дата основания и самого храма наук, а датой начала его официальной концертной деятельности 1775 год. С 1964-го коллектив носит гордое имя – народный.

История его создания как организованного коллектива уходит корнями в 1757 год, когда в двухгодовалом университете для обучения певческому искусству студентов Иваном Шуваловым был приглашен Антонио Дуни – композитор и капельмейстер Мадридской королевской капеллы. Вокальный класс был тогда совсем немногочисленным: в нем музицировало всего 6 человек.
«Блажен, кто улыбается» — так называлось посвящение деятельности хору студентов МУ Петра Ильича Чайковского на стихи Великого князя Константина Романова.

Блажен, кто улыбается,
Кто с радостным лицом
Несет свой крест безропотно
Под терновым венцом,
Не унывает в горести,
В печали терпелив
И слезы копит бережно,
Их в сердце затаив.

Не обходился без хора ни прием почетного гостя, ни вручение красных дипломов, ни открытие фестиваля науки, ни, конечно же, главный праздник Университета — Татьянин день. Упоминания о коллективе встречаются в газетах прошлых веков. Вот одна цитата из «Московских ведомостей» за 1889 год: «Студенческие концерты, с самого своего возникновения, всегда пользовались большой симпатией среди москвичей. В те дни, когда они начинались, вся Москва спешила в зал Благородного собрания. Еще далеко до начала публика наполнила все помещение… В зале не оказалось ни одного свободного места: за колоннами теснились ряд за рядом, образуя густую массу…».

В хоре начинал свою великую музыкальную стезю прекрасный русский тенор Леонид Собинов:«Пение в хоре считаю главным фактором моего вокального и музыкального развития».
В первые годы после Октябрьской революции хор возглавляли профессор Московского университета ученик Николая Римского-Корсакова Иннокентий Устюжанинов, композиторы Василий Калинников и Александр Титов.
В годы Великой Отечественной руководивший хором с 1937 года Серафим Попов принимал участие в народном ополчении Москвы. Занятия возобновились лишь в конце 1944-го. Под его руководством начался период расцвета коллектива: выступления перед первыми лицами страны, награды на внутрисоюзных и международных конкурсах, творческие связи с композиторами и музыкантами. В 1977 году фирма «Мелодия» выпустила альбом хоровых грамзаписей, которые пополнили «золотой фонд» Всесоюзного радио.
С 1979 по 1984 год руководителем был ученик Попова профессор Борис Баранов, а с 1984 по 1997-й хор возглавлял профессор Юрий Ухов. С 1990 года по рекомендации Баранова в хоре работал хормейстером, а в 1997 году стал художественным руководителем коллектива выпускник Астраханской государственной консерватории Мирза-Ага Сафтарович Аскеров. Работая в хоре, дирижер получил звание заслуженного работника культуры РФ и заслуженного деятеля искусств республики Дагестан.

Сегодня хор регулярно гастролирует в России и за рубежом, выступает в Большом и Рахманиновском залах Московской консерватории, Светлановском зале Московского международного дома музыки, Концертном зале Мариинского театра и на других известных площадках, сотрудничает с профессиональными оркестрами, исполняя как классическую хоровую музыку, так и произведения современных авторов.

С ним сотрудничают именитые дирижеры: Владимир Спиваков, Владимир Федосеев, Юрий Башмет, Валерий Полянский, Алексей Карабанов, Антон Лубченко. Неоднократно хор выступал и с маэстро Валерием Халиловым.

Академический коллектив состоит из студентов, аспирантов, сотрудников и выпускников различных факультетов МГУ, а также просто любителей хорового пения. В настоящий момент в нем поют более 100 человек, из них концертный состав — около 80.

По словам его художественного руководителя Мирзы Аскерова: «Запоют любительские коллективы — запоет вся страна».

«Соловушко». Музыка и текст Петра Чайковского, исполняет академический хор Московского государственного университета, солист Николай Попов.

Художник-патриот, горячо и страстно любивший свою страну и свой народ, Чайковский также пронес через жизнь и большую любовь к литературе. Интерес этот был далеко не пассивным. Петр Ильич был не только вдумчивым и разносторонним по интересам читателем, но и сам не был лишен литературного таланта.

Наиболее интересными произведениями Чайковского в поэтическом жанре являются «Ландыши» и «Соловушко». Последнее – текст хора, написанный в жанре русской песни, в которой автор объединил все свои «любови». По содержанию – это прощальный монолог птички, улетающей далеко «во чужую теплую сторонку», наполненный композиторской привязанностью к людям.

Улетал соловушко далеко,
Во чужую теплую сторонку:
«Надолго прощаюсь с вами, люди!
Улететь пора моя настала!

И спасибо вам за вашу любовь, за ласку,
Что меня, соловушку, не гнали,
Песни петь мне, соловью, не мешали,
Малых деток моих не забижали!

И остался б я теперь с вами,
Да лиха беда, ваши морозы,
Не люблю зимы вашей белой,
Не люблю я буйного ветра!

А уж как весна-красна вернется,
С ней и я вернусь к вам с новой песней!»

Более половины хоровых сочинений Чайковского предназначено для исполнения a`capella, причем именно в этом жанре созданы его лучшие хоровые миниатюры зрелого творческого периода, именно такие, как «Соловушко».

Песня звучит задумчиво и печально, состоит из четырех строф и одной неполной, состоящей из двух стихов и представляющей собой, по сути, заключение, которое дает надежду на встречу через год, когда уйдут морозы и закончится зима. Такая светлая концовка вызывает легкое чувство умиления, радости. Использование устаревших народных форм отдельных слов («не забижали», «во чужую») и традиционных для русских фольклорных песен инверсий («улетал соловушко далеко», «не люблю зимы вашей белой») придает стихотворению истинно народную поэтичность. Тема расставания и надежды на новую встречу всегда находила отклик в сердцах слушателей, и это произведение тоже воспринимается сознанием человека как метафора человеческих отношений и чувств, связанных с грустным событием в жизни – с расставанием.

«Щедрик». Музыка и текст народные, исполняет академический хор Московского государственного университета.

«Щедрик» — самая известная и распространенная рождественская украинская народная песня, получившая всемирную популярность в музыкальной обработке Николая Леонтовича, над которой он работал почти всю свою музыкальную жизнь. Первая ее редакция была написана в 1901–1902 годах, последняя – в 1919-м.

Премьера хита состоялась усилиями хора Киевского университета в 1916 году, когда композитор работал в Киеве и руководил студенческим коллективом. Пение щедривки принесло огромный успех. Имя Леонтовича стало известным и в музыкальных кругах, и среди широкой публики.
В основу произведения положена украинская щедривка – песня добрых пожеланий, которая исполняется в период зимних праздников. В украинском языке слово щедрик одновременно означает сокращение от славянского праздника «Щедрый вечер» и канареечного вьюрка. Именно поэтому в песне и упоминается ластівочка. В колядке поется про птичку, которая прилетела в дом возвестить богатый год для семьи. Согласно популярной, но неточной интерпретации, украинский оригинал опирается на старую славянскую легенду о том, что каждый колокол в мире прославлял Иисуса в ночь, когда он родился.

Щедрик, щедрик, щедривочка,
Прилетела ласточка,
Стала себе щебетать,
Хозяина вызывать:
«Выйди, выйди, хозяин,
Посмотри на овчарню, —
Там овечки окотились,
А ягнятки родились».

Органично соединив приемы народного многоголосия с достижением классической полифонии, композитор добился того, что каждый голос играет самостоятельную выразительную роль, воспроизводя тончайшие изменения настроения в песне, подавая каждый художественный образ в предельном завершении.
Эта щедривка имеет несколько нехарактерные для рождественской песни черты, так как исполняется в минорном ключе в очень высоком темпе (слова поются настолько быстро, что иногда их трудно различить), и очень короткая по времени звучания.

«Весна». Исполняет коллектив современного танца МГУ «Вариация».

Уснувший лес. Грядет Весна —
Младая, солнечная Веста.
Вся Сварга вешняя без сна
На Маслену готовит тесто,

Чтоб ярче стала синь небес,
Чтоб птицам малым слаще пелось.
Не по сугробам нынче в лес
На буйный пир приходит Велес…
               Марина Царь Волкова

 Студенческий коллектив современного танца «Вариация» МГУ (художественный руководитель — студентка факультета журналистики, сопредседатель и руководитель культурного центра студенческого союза МГУ Анна Юдина) в конце марта стал лауреатом сразу двух конкурсов: международного и всероссийского!

В Рязанском дворце молодежи прошел XXVIII межрегиональный фестиваль современного танца «Черный кот», третьей премии был удостоен танцевальный коллектив из Москвы с композицией «Весна».

«Озеро». Музыка Мераба Парцхаладзе, текст Буду Купаташвили, исполняет академический хор Московского государственного университета.

 Молния в тьме ночной.
Озера гладь водяная
Искрами вспыхнула вдруг.
                     Басе Мацуо

Цикл произведений для (сначала мужского) смешанного хора (ор. 28) представляет собой десять тематических объединенных произведений. Среди них №2 – «Озеро» на слова Буду Купаташвили.

Грузинскими мастерами воспевается красота родной природы: величие гор, роскошь растительности, простор воды, необъятная глубина южного неба. Но эти образы содержат и философский подтекст.

Анализируя драматургию цикла, можно заметить закругленность структуры, логически развиваемую сюжетную линию. №2 – хор созерцательного характера, наполненный высоким лирическим раздумьем о смысле жизни, восторженным любованием.
Парцхаладзе применяет разные стилевые решения и фактурные сопоставления, например, вокализ, в котором его музыкальному языку свойственна богатая колористическая палитра.
Купаташвили, грузинский поэт, писал свои вдохновенные вирши исключительно на грузинском языке, данная не явилась исключением. Перевод оригинального текста был выполнен Гуриным – русский и грузинский мастера одинаково воспринимали природу и место человека в этом мире.
Стихотворение «Озеро» относится к пейзажно-философской лирике. Основной идеей данного произведения является представление о мировом устройстве, воплощенное через образы озера и меркнущих в нем звезд. Содержание приобретает драматическую глубину, чувствуется неотвратимость конца земного пути. Автор богато использует для передачи художественного образа различные средства выразительности: метафору («усыпальница ярких звезд»); эпитет («небесных слез»); олицетворение («меркнут звезды»); риторическое обращение («Моя душа!»); инверсию («Блекнет озеро в камышах»).
Взаимосвязь музыки и текста прежде всего переданы темпом – grave (тяжело, медленно), который помогает более глубже осмыслить суть философского литературного языка. В конце миниатюры встречается ritenuto и morendo – замедление и замирание звучания более значимо обобщают смысл произведения.
В тембральном аспекте во II части композитор использует прием поочередного вступления голосов: начинает женская группа хора, затем вступает партия теноров, кульминация озвучивается всем хором. Выбор такого состава делает подход к общей вершине произведения постепенно разворачивающимся, ярким, а кульминацию – выразительной, мощной.

Таким образом, динамика, темп и тембры глобализируют все образы и обретают более драматическую интерпретацию, тем самым подчеркивая неразрывную связь музыки, текста и воплощение художественного замысла.

Индийский танец штата Раджастхан. Исполняют солисты студии индийского танца «Сарасвати».

Я уеду в Индию однажды,
Где и рай. И ад в одном лице,
А мужчины храбры и отважны,
О своем заботятся конце.
 
Жемчуга и кольца, и браслеты,
Жесты танца вместо языка,
Женщины скользят, полуодеты,
По-кошачьи поступь их легка.
Все – для услаждения мужчины,
Все – для насыщения богов.
Только им, единственным, любимым
Отдается ценная любовь.
                  Наталья Прохорова

Традиционный народный танец штата Раджастхан – гхумар, исполняемый на различных фестивалях и свадьбах в сопровождении песен, барабанов и цимбал. Это красивая хореографическая форма, где танцоры движутся по кругу, с грациозными движениями рук и частыми поворотами. Действие адресовано к богине Парвати или, как ее называют в Раджастане, Гаури. Изначально он являлся танцем женщин из знатных раджпутских семей и исполнялся исключительно во время праздников.
Танцовщицы наряжаются в гагру, традиционную струящуюся юбку с красивыми и красочными узорами, которая развевается во время быстрых поворотов, и чоли, блузку, дополняющую богато вышитый наряд. Нередко девушки аккомпанируют себе хлопками. Лица, в соответствии с раджпутской традицией, закрыты дупатой красивого дизайна, обычно из непрозрачной ткани. Все это является квинтэссенцией происходящего.

Прозвучал он сегодня в постановке студии индийского танца «Сарасвати» созданной при ДК МГУ в 1985 году.

Основные традиции деятельности коллектива (выступления и обучение) — классический стиль индийского танца Бхаратанатьям и народные индийские миниатюры.

Труппа под началом Наталии Оболенской ведет активную концертную деятельность, представляя собственные программы и принимая участие в многочисленных праздниках, фестивалях, конференциях по приглашению русских и индийских организаций в Москве и других городах; ведет яркую работу со студентами университета, знакомит своих участников с основами индийского классического танца и музыки, народными танцами Индии, традициями, обычаями этой страны. В течение многих лет ансамбль проводит концертно-лекционные программы, которые являются едиными постановками-спектаклями, в ткань которых вплетены легенды, хореография, образы и рассказы. Ежегодно коллектив принимает участие и является призером многих танцевальных конкурсов, среди которых — Фестос, ОРТО, конкурсы индийского танца, организуемые АИИТАМ (Ассоциацией исполнителей индийского танца) и Культурным центром посольства Индии в России.

Еще одно танцевальное видео коллектива.

«Танец рыцарей» из балета «Ромео и Джульетта». Музыка Сергея Прокофьева, исполняетсимфонический оркестр МГУ.

Привет, друзья! Играйте, музыканты!
С дороги все! Танцоры, дамы — в круг!
Побольше света! Отодвиньте стулья!
Залейте жар в камине: духота.

Глядишь на танцы, так и разбирает.
Нет, что вы, сядьте, где уж нам плясать!
Когда, скажите, дядя Капулетти,
Плясали в масках мы в последний раз?

Балет Сергея Прокофьева, рассказывающий печальную историю о прекрасных влюбленных Ромео и Джульетте, состоит из трех актов, включающих в себя девять картин. Во второй, являющейся завязкой трагической истории, происходит знакомство с героиней, которая готовится к балу, где ей предстоит встретиться со своим женихом – молодым графом Парисом. Вот уже гости собираются на праздник, туда же, чтобы не быть узнанными, в масках приходят Ромео и его друзья. Начинается сцена, которая в партитуре стоит под номером тринадцать и называется «Танец рыцарей». 

Тяжелая мерная поступь аккомпанемента композиции и накладывающийся на нее подпрыгивающий пунктирный ритм фанфарных мотивов мелодической линии создают своеобразный величественно-воинственный образ сурового средневекового бытия.
Произведение, написанное композитором в сложной трехчастной форме, тональности e-moll,четырехдольном маршевом размере и с индивидуальным темповым указанием аllegro pesante (скоро тяжеловесно), начинается с солирующего аккомпанемента, заранее предопределяющего характер музыки. Сама тема рыцарского марша в исполнении скрипок и кларнетов начинается через два такта с энергичного шествия по основным звукам главного трезвучия. Первая, угловатая и самоуверенная по своему характеру, фраза, заканчивается на звуке си, с которого сразу начинается такое же торжествующее второе проведение темы, полностью повторяющее первое, но только уже по звукам доминантового аккорда. Пунктированная ритмика маршевой темы, звучащей на фоне мрачного аккомпанемента медных, низких деревянных, а также мощных ударов большого барабана, говорит о первичном предназначении композиции – рыцарского танца.
Средний эпизод первой части основан на сочетании рыцарской темы и устрашающей темы вражды, которая включает в себя два элемента: первый – грубый и стучащий, второй – упорный и наступательный. Изначально жестокую тему вражды злобно выводят валторны, а впоследствии она передается тромбонам, тубам и затем трубам. Тематическое развитие в среднем разделе происходит по принципу вытеснения. Маршевая тема постепенно становиться подчиненной, а тема вражды выходит на господствующие позиции и подводит к первой кульминации произведения.
По характеру резко контрастен первой части средний раздел композиции. По своей форме это менуэт, под звуки которого танцуют Джульетта и Парис. Очаровательная музыка, рисующая утонченный образ девушки, вырастает из нежных звуков флейты на фоне приглушенного аккомпанемента пиццикато скрипок, виолончелей, контрабасов и альтов.
Третья, заключительная часть композиции – это реприза первой части, представленная автором в сокращенном варианте. Несмотря на то что в тематическом материале отсутствует тема вражды, своей рельефностью музыка оставляет сильное эмоциональное впечатление.

Сегодня этот балет Сергея Прокофьева, история которого изначально складывалась весьма непросто, является самым репертуарным балетом, с успехом исполняемый на лучших мировых сценах. Великолепие и могучую силу музыки новаторского произведения приняли не сразу, так как считалось, что отобразить шекспировские страсти языком балета просто невозможно, однако у композитора-новатора это успешно получилось. Весь драматизм и страсть шекспировского произведения он передал посредством музыкальных звуков и ярким примером тому служит «Танец рыцарей» – произведение, заслуженно завоевавшее бешеную мировую популярность.

«Серенада Мефистофеля» из оперы «Фауст». Музыка Шарля Гуно, исполняет симфонический оркестр МГУ, солист – руководитель оперной студии ДК МГУ Артем Борисенко.

Часы бегут,
Катринхен, тут –
Совсем тебя заждался плут,
Который всех желанней!
Но коли в дом –
Войдешь тайком,
Увы, не девушкой потом –
Уйдешь на зорьке ранней…
             Рафаил Истеев

Площадь перед храмом. У входа в храм молится Маргарита, и это при том что сама она убеждена, что ее грех не может быть прощен. Ее молитву прерывает дьявол, который из-за колонны издевательски напоминает ей о днях ее невинности. Тем временем в самой церкви под звуки органа идет служба, и когда хор молящихся возносит торжественно, голос Маргариты прорывается над ним, страстно моля о прощении ее греха. Но Мефистофель восклицает: «Marguerite! Sois maudite! a toi l’enfer!» («Маргарита! Нет прощенья! Погибла ты!»). Потрясенная Маргарита падает, теряя сознание. Выходящие из храма женщины поднимают ее со ступеней и уводят домой. 
Улица перед домом Маргариты. Сначала издалека, потом все ближе слышатся звуки военного марша. По улице проходят возвращающиеся с войны солдаты.
Среди ветеранов и брат Маргариты, Валентин. Подозревая неладное, Валентин входит внутрь, и в это время под окном Маргариты слышится издевательская серенада. Это поет Мефистофель, аккомпанируя себе на гитаре.

Сквозь аккорды струн певучих
слышен сердца стон,
поцелуев твоих жгучих
страстно молит он.
Но ты примешь ли моленья
друга своего?
Ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха!
Мой совет: до обрученья
ты не целуй его.
Мой совет: до обрученья
не целуй его.
а! ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха! ха!

Серенада «Выходи, о друг мой нежный!» имеет глубоко иронический, недобрый характер. Авторы предусмотрели звучание внутри вокальной партии яркоокрашенного гомерического хохота – испытание на прочность не только вокальных, но и актерских данных исполнителя. С чем прекрасно справляется руководитель оперной студии Московского университета Артем Борисенко.

Оперная студия при МГУ была воссоздана в 2013 году. В составе коллектива — студенты, аспиранты, выпускники и преподаватели университета, среди которых несколько лауреатов международных конкурсов. Солисты студии — от баса до колоратурного сопрано и контратенора — готовят каждый сезон по несколько концертных программ, в которые входят как камерные произведения, так и театрализованные сцены из опер русских и зарубежных композиторов.

Ария Лауретты из оперы «Джанни Скикки». Музыка Джакомо Пуччини, исполняет симфонический оркестр МГУ, солистка – певица оперной студии МГУ, лауреат международных конкурсов Александра Никитина, соло на арфе Ирина Воронцова.

О чем поет Лауретта, героиня оперы Джакомо Пуччини «Джанни Скикки»?
Конечно, о любви! Она уговаривает своего отца найти решение проблем семейства Донати так, чтобы она могла выйти замуж за дорогого ей юношу из богатого знатного рода. Опускаясь на колени перед родителем, она умоляет его: «O, mio babbino caro»! Вдохновленный таким образом Скикки придумывает план.

Флоренция, 1299 год.
Еще не успело остыть тело богатого флорентийца Буозо Донати, как вокруг него собрались многочисленные притворно скорбящие родственники. До них дошел слух, что Донати все свое огромное наследство завещал монастырю. Но как это проверить? Если бумаги забрал с собой нотариус, сделать уже ничего нельзя, но если они хранятся дома… Вся толпа принимается лихорадочно искать духовную, и Ринуччо ее находит! На уме у каждого из них лишь одно: что же ему досталось от Буозо? Ко всеобщему разочарованию, оказалось, что слухи были правдивы. Что же делать? Ринуччо готов пригласить того, кто способен им помочь – это Джанни Скикки, который является как по заказу. Да не один, а со своей дочерью Лауреттой, возлюбленной Ринуччо, на которой тот уже отчаялся жениться – его тетушка Дзита настроена против его брака с простолюдинкой без приданого.
Задумку аферы Джанни предлагается обкатать на докторе Спинеллокьо – тот как раз пришел проведать пациента. Ему дают заглянуть через приоткрытую дверь в комнату, откуда, имитируя голос Буозо, Скикки говорит, что лучше себя чувствует и хочет поспать. Врач ничего не заподозрил, и семья посылает за нотариусом. Джанни сомневается в их предприятии – за подлог могут и руки отрубить всем причастным, но собравшиеся уговаривают его переодеться в Донати.
Приходит нотариус, Джанни диктует ему новое завещание, согласно которому все имущество отходит… Джанни Скикки! Родственники потрясены, но ничего не могут возразить. Он выгоняет всех из дома. Лауретта и Ринуччо счастливы.

Лирически простая эфемерная ария девушки, выражающая искреннюю любовь, контрастирует с остальными частями постановки, наполненными атмосферой лицемерия, подозрительности и вражды средневековой Флоренции. Эта пьеса стала квинтэссенцией всей оперной трилогии, и, можно даже сказать, одной из истин в творчестве знаменитого композитора – нет ни одной певицы-сопрано, в чьем репертуаре не стоял бы этот выдающийся хит. За, казалось бы, неискусностью и легкостью мелодического рисунка стоит очень непростой вокальный прием, на котором раскрывается даровитость исполнительницы – это очень нелегкая кантиленность в озвучке, дающая необыкновенную красоту и слитность, а за этим и возможность выгодно продемонстрировать свой голос.

Ария необычайно популярная, часто встречается в массовой культуре. Одной из самых блестящих ее исполнительниц была Мария Каллас.

О дорогой мой папочка,
он нравится мне, и он так красив.
Я хочу пойти на Порта Росса,
чтобы купить обручальное колечко!
Да, да, я так хочу туда пойти!
И если моя любовь напрасна,
я побегу к Понте Веккьо
и брошусь в Арно!
Я так мучаюсь и страдаю! О, Боже, лучше умереть!
Папа, сжалься же надо мной!
Папа, сжалься же, сжалься!

Вальс №2 из «Джазовой сюиты». Музыка Дмитрия Шостаковича, исполняет симфонический оркестр МГУ.

— Вальс устарел, —
Говорит кое-кто, смеясь.
Век усмотрел в нем отсталость
И старость.
Робок, несмел,
Наплывает мой первый вальс…
Почему не могу
Я забыть этот вальс?
Никогда не смогу,
Никогда не смогу
Я забыть этот вальс.
                 Евгений Евтушенко

Дмитрий Шостакович – выдающийся советский композитор, произведения которого хорошо знают во всем мире. Однако среди творений гениального мастера есть небольшое сочинение, которое особенно любят за рубежами нашей страны. Иностранцы называют его по-разному: «Второй вальс», «Сочинение 99» или просто «Русский вальс». Удивительно, но как только начинает звучать эта поистине очаровательная музыка, слушатели, с восторгом принимая ее, начинают двигаться в такт, напевать мелодию и даже танцевать.

Когда именно маэстро сочинил свой знаменитый опус, сегодня точно никто не может сказать, однако биографы тесно связывают историю его создания с образованием в 1936 году Государственного джаз-оркестра СССР, музыкальным руководителем которого был назначен Виктор Кнушевицкий, а художественным – Матвей Блантер.
Чтобы для вновь созданного коллектива составить разнообразный джазовый репертуар, было решено обратиться в том числе к Шостаковичу. Дмитрий Дмитриевич справился с поставленной задачей довольно быстро: через несколько дней он приехал в Москву и привез три пьесы. Инструментовка руководителям оркестра очень понравилась, но джазового характера в этой музыке не было. Тогда Шостаковичу предложили прийти на репетицию коллектива.
Послушав игру оркестра, композитор переделал свои сочинения, и хоть ничего джазового в них не появилось, по словам музыкантов, звучали они изумительно. Несомненно, эти пьесы сразу вошли в концертную программу оркестра и впервые были исполнены в Колонном зале Дома союзов осенью 1938 года.
Госджаз много выступал, и всегда в его концертном репертуаре была «Сюита для джаз-оркестра» Шостаковича. Так продолжалось до 1941 года, пока оркестр не выехал на фронт и не оказался в немецком окружении. Большая часть музыкантов погибла, и коллектив по этой причине прекратил свое существование.

Прошло пятнадцать лет, и вальс вновь зазвучал, но теперь не на концертных площадках, а с экранов кинотеатров. В 1955 году известный кинорежиссер Михаил Калатозов снял фильм «Первый эшелон», в котором использовал эту замечательную музыку. Но в то время никто ее историей еще не интересовался.

А вот в 1988 году «Вальс №2» прозвучал вновь и на этот раз в Лондоне в «Барбикан Холле», оркестром дирижировал Мстислав Ростропович.

Вся же «Джазовая сюита» Дмитрия Шостаковича, включавшая в себя восемь пьес, в том числе и «Вальс», в 1991 году была исполнена, а в 1993 году записана на диск Королевским симфоническим оркестром Нидерландов «Консертгебау», которым в то время дирижировал итальянец Риккардо Шайи.
До сих пор остается загадкой, как нотные архивы советского композитора оказались за границей? И почему забытая сюита впервые прозвучала не в нашей стране, а за рубежом?
Однако основную роль в популяризации ныне знаменитого сочинения сыграл фильм американского режиссера Стэнли Кубрика «С широко закрытыми глазами», в котором музыка «Вальса» прозвучала запоминающе красиво.

«Незнакомка». Музыка Юрия Фалика, текст Александра Блока, исполняет академический хор Московского государственного университета.

По вечерам над ресторанами
Горячий воздух дик и глух,
И правит окриками пьяными
Весенний и тлетворный дух.

И каждый вечер, в час назначенный
(Иль это только снится мне?),
Девичий стан, шелками схваченный,
В туманном движется окне.

И медленно, пройдя меж пьяными,
Всегда без спутников, одна
Дыша духами и туманами,
Она садится у окна.

И веют древними поверьями
Ее упругие шелка,
И шляпа с траурными перьями,
И в кольцах узкая рука.

И странной близостью закованный,
Смотрю за темную вуаль,
И вижу берег очарованный
И очарованную даль.

И перья страуса склоненные
В моем качаются мозгу,
И очи синие бездонные
Цветут на дальнем берегу.

Фалика нельзя безоговорочно причислить ни к новаторам, ни к традиционалистам: он не изобрел новой звуковой системы, но и нисколько не сковал себя традициями. Великолепный мастер, обладающий всеми видами композиторской техники, он избирательно относится к новоизобретенным приемам — лишь с целью нужд художественного замысла, ищет и находит скрытые резервы в традиционных жанрах и формах. На первом плане яркость замысла, убедительность решения, захватывающая интрига музыкального развития, красота звучания.

Неудивительно, что он берет Блока, потому что «Незнакомка» не только одно из лучших стихотворений поэта, но и одно из совершеннейших созданий всей русской лирики.

В первых местах строфы «Незнакомки» перед читателем возникает картина обывательских будней разгулявшейся пошлости, написанная автором с отвращением. «Пыль переулочная», «испытанные остряки», «гуляющие с дамами не где-нибудь, а среди канав». Здесь и природа предстает в неприглядном виде. Даже луна лишена привычного романтического ореола и «бессмысленно кривится». Лирический герой погружается в хаотический мир повседневности. «Незнакомка» у Блока символ другой лучшей жизни, поэт в этом стихотворении выступает как символист. А само произведение – пример превращения обыденного факта будничной действительности в образ высокой поэзии. При этом стихотворение, безусловно, принадлежит лирическому жанру по интимности тона, по роли личного высказывания.

В музыке Фалика, написанной для хора a capella в жанре хоровой миниатюры, и хоровое «мы», и лирическое «я» текста теряют свою определенность. Композитор отодвигает на второй план жанрово-описательные строфы стихотворения, тем самым, подчеркивая лирический образ самой Незнакомки.
Хор же у Фалика становится тончайшим инструментом психологического воздействия, содержанием на этот раз является не сюжет, не зрительно-образная сфера стихотворения, а сложное, почти неуловимое впечатление, ощущение, которое возникает после непосредственного восприятия данной вещи.
Вся композиция построена на одной теме, которая едва заметно варьируется; это дает особое чувство единства эмоциональной сферы. Особое значение в произведении приобретает остинатный ритм и близкая к остинатности мелодическая линия (многократное повторение мелодической фразы). В подобном музыкальном решении есть нечто общее с манерой авторского чтения стихов.
Однако в музыкальном тематизме «Незнакомки» нельзя усмотреть желание раскрыть речевую поэтическую интонацию, здесь нет подражания живой речи. В ритме музыки стихи Блока продекламировать нельзя – их можно только спеть. Этому мешают и staccato, и внутрислоговые распевы, и паузы между слогами, и акценты на безударных гласных. Именно эти приемы в первую очередь и создают ирреальный, почти призрачный характер звучания.

«Незнакомка» – одно из полемических произведений Фалика. Не всем и не с первого раза данное композиторское решение кажется убедительным. Эта музыка не должна иллюстрировать или дополнять текст Блока, так как художественная суть «новой «Незнакомки» заключается в неразрывном единстве противоположностей текста и музыки. 

«Дансон № 2». Музыка Артуро Маркеса, исполняет симфонический оркестр МГУ.

В Шкарете, парке мексиканском
Господь собрал зверей и птиц.
В спектакле, на родном испанском
Играет очень много лиц.
Их зажигательные танцы
И песни – чудо из чудес
Играли, пели мексиканцы,
Как будто их попутал бес.
            Василий Коньков

 Дансон № 2 – оркестровая композиция мексиканского композитора Артуро Маркеса – одна из самых успешных и наиболее часто исполняемых оркестровых пьес мексиканской современной классической музыки, приобретшая большую популярность во всем мире, когда молодежный оркестр Венесуэлы Симона Боливара включил его в свою программу для европейского и американского турне 2007 года. Так что суперхит этот очень современный и совершенно молодой.

Написанный для полного оркестра, он включает соло для кларнета, гобоя, фортепиано, скрипки, контрабаса, валторны, трубы, флейты и пикколо. Произведение было заказано национальным автономным университетом Мексики, так что существует закономерная студенческая преемственность в его исполнении. Премьера состоялась в 1994 году в Мехико оркестром филармонии УНАМ под руководством Франсиско Савина.
Ритмический интерес к композиции поддерживается за счет использования различных акцентов и темпов. Это основное эссе современной мексиканской музыкальной литературы выражает танцевальный стиль под названием дансон, который берет свое начало на Кубе, но является очень важной частью фольклора мексиканского штата Веракрус. Музыка была вдохновлена посещением бального зала в Веракрусе.

Цирковое шоу «На ступеньках ВМК». Исполняет танцевальный коллектив ДК МГУ «Силуэт».

Танец — это жизнь,
А может, смысл жизни,
А каждое движение – это миг,
Миг, пришедший из бесконечности.
Танец — это чувства, мысли и мечты,
Эмоциональный выход нашей страсти,
Танец – это жизнь, которую проживаешь только ты,
движение, спасающее от любой напасти.

Танцевальный коллектив «Силуэт» создан в 2014 году выпускницей факультета вычислительной математики и кибернетики МГУ Ниной Охотиной с целью объединения студентов МГУ, желающих научиться танцевать в различных стилях (современная хореография, классический танец, хип-хоп, этническая стилизация, эстрадные танцы и другие), а также выступать с яркими танцевальными постановками на хореографических конкурсах и фестивалях, торжественных мероприятиях Московского университета.

Коллектив является лауреатом международного танцевального конкурса «Четыре элемента», обладателем специального приза от Илзе Лиепа на фестивале «Москва, танцуй!».

«Три товарища» из кинофильма «Свой среди чужих, чужой среди своих». Музыка Эдуарда Артемьева, исполняет симфонический оркестр МГУ, соло на трубе Василий Парамей.

Эдуарда Николаевича Артемьева можно без преувеличения назвать патриархом электронной музыки. В начале 1960-х он уже осваивал один из первых советских синтезаторов — АНС, созданный Евгением Мурзиным. А главной площадкой для реализации и продвижения творческих экспериментов стало телевидение и кино. Сначала мастер создавал свои «космические» пьесы для научно-популярных фильмов и передач, а затем перешел в сферу фильмов художественных.

Ни с одним из режиссеров Артемьев не работал так долго и постоянно, как с Никитой Михалковым. Самой популярной инструментальной мелодией в карьере Артемьева стала пронзительная тема катарсиса из первого полноценного фильма Михалкова «Свой среди чужих, чужой среди своих». Она звучит в финальной сцене, где красноармеец Шилов после долгих мытарств в тылу врага таки выходит на своих товарищей.
Так как фильм позиционировался, как некий «красный вестерн», то и в музыке Артемьева многие замечали отсылки к этому жанру — например, к работам знаменитого кинокомпозитора Эннио Морриконе. Эдуард Николаевич не отрицал, что «некоторые музыкальные штрихи были сделаны умышленно», но признавался, что «о Морриконе в то время ничего не знал».

Съемки фильма «Свой среди чужих, чужой среди своих» начинались два раза. В первый Никиту Михалкова забрали в армию — в морскую пехоту, а потом на подводную лодку. И буквально за пару дней до его отъезда он с композитором сидел в ресторане Дома кино и рассказывал, какой будет фильм, что за роль у мелодии, какая нужна музыка: «Понимаешь, это должна быть такая мелодия воспоминания».
В итоге после разговора в Доме кино маэстро пришел домой, сел за рояль, что-то такое сыграл. И сразу не понял, что именно. Но понял, что это надо обязательно вспомнить. И что удивительно – вспомнил: так эта музыка, придуманная сразу и набело, стала главной темой ленты. Михалкову она понравилась — из армии он написал композитору, чтобы тот ее никому не отдавал. Помимо основного мотива, который так или иначе варьируется на протяжении всего фильма, Эдуард Артемьев сочинил несколько отдельных вставных номеров — например, для эпизода с ограблением поезда.
Потом Никита Сергеевич вернулся из армии и со второго захода работу над картиной закончили.

В 1974 году «Свой среди чужих, чужой среди своих» наконец вышел на экраны и обрел массовую любовь. Как показало время, финальную тему трубы слушатель тоже запомнил хорошо. Уже в нулевых Артемьев с удивлением узнал, что его мелодия — один из самых востребованных рингтонов для мобильников. А в 2002 году группа «Гражданская оборона» записала на нее кавер для альбома «Звездопад».

В дальнейшем тема из «Своего среди чужих…» нередко звучала в рекламе. Ну а пиком ее карьеры стал финал Олимпиады в Сочи 2014 года, где под музыку-прощание Артемьева в аранжировке Игоря Матвиенко был погашен олимпийский огонь.

И этот концерт подошел к концу…

«Глобус». Музыка Михаила Светлова, текст Михаила Львовского, исполняет академический хор Московского государственного университета.

«Глобус» («Я не знаю, где встретиться…») — песня, написанная в 1947 году Михаилом Львовским на мелодию Михаила Светлова. Изначально созданная для студенческого спектакля, она быстро стала популярной и приобрела дополнительные народные куплеты. Считается неофициальным гимном туристов, географов и геологов.

Песня имеет длинную и сложную историю: она создавалась разными авторами в несколько этапов. В 1938 году поэт Светлов написал слова и мелодию песни, названной, по первой строчке, «За зеленым забориком». С ее лирическим характером контрастировала ирония, заложенная в нарочито изысканных составных рифмах («И тогда под звуки мандолины / Мы уйдем с тобой в туман долины»). На эту песню Ян Сашин сочинил пародию «Шоферша», также построенную на составных рифмах: «Я люблю шофершу крепко, робко / Вам в подарок от меня коробка».
В 1947 году поэт Михаил Львовский, по просьбе студентов ГИТИСа, сочинил песню для их дипломного спектакля «Старые друзья». Студентам хотелось, чтобы он использовал мелодию популярной в то время «Шоферши» Сашина (написанной, в свою очередь, на мелодию Светлова). Один из них, будущий актер и кинорежиссер Николай Александрович, задал также и тему будущей песни: по сюжету спектакля герой должен был смотреть на глобус и видеть там не просто очертания материков, а все то, что впоследствии повлечет его в дальние странствия. Львовский сочинил соответствующий текст на светловскую мелодию, состоявший из двух запевов и двух припевов, и так родилась песня «Глобус».
Согласно воспоминаниям самого писателя, уже через год после закрытого выпускного спектакля в ГИТИСе «Глобус» запели туристы. Однако для песни, внезапно ставшей столь популярной, двух куплетов оказалось мало, и к изначальному тексту стали добавляться все новые и новые дополнения (по некоторым данным, их насчитывалось более девяноста). Некоторые из вариантов приписываются известным поэтам, другие считаются народными.

В 60-е годы песня получила официальное признание и часто звучала по радио в исполнении эстрадных певцов. В 70-е годы она вышла на пластинке «Песни на стихи Михаила Львовского» в исполнении Владимира Трошина.

Исай Кузнецов в книге «Жили-были на войне» пишет о «Глобусе» следующее: «У этой песни … поразительная судьба: она стала одной из самых любимых песен туристов, и не только туристов. Я слышал ее и на Клухорском перевале, и в Сванетии, и на Эльбрусе, и в Сибири, на Енисее».

Постепенно песня перестала восприниматься как авторская и стала частью студенческого фольклора. В частности, своим гимном ее сделали студенты-географы и геологи, при этом она получила ставшее каноническим завершение:

Потому что мы народ бродячий,
Потому что нам нельзя иначе,
Потому что нам нельзя без песен,
Потому что мир без песен тесен.

Последние строки вошли в поговорку и стали своеобразным девизом поколения.